Musik-Jahr 2026: Überraschungen, Enttäuschungen und die Hoffnung auf Neues

Die ersten sechs Monate des Jahres 2026 sind fast vorbei, und die Frage, wie man die rasante Geschwindigkeit der Zeit überhaupt noch erfassen soll, drängt sich auf. Tage fühlen sich an wie Wochen, und die Prophezeiungen von Olivia Rodrigo aus dem Jahr 2021 über die Härte des Lebens scheinen mit jedem Tag trüber zu werden. Doch inmitten dieses musikalischen Chaos gab es sowohl unerwartete Triumphe als auch frustrierende Rückschläge.

Ein glückliches Halbjahr für Country-Musik

Ella Langley festigte ihren Status als Country-Superstar mit ihrem Album „Dandelion“, und generell erlebte das Genre eine positive Entwicklung. Drake gelang es mit einer überraschenden Trilogie von Alben, sich von der Gefahr, lediglich als Running Gag wahrgenommen zu werden, zu befreien. Ein bemerkenswertes Comeback, angesichts der vorherrschenden Skepsis.

Allerdings gab es auch Momente der Enttäuschung. Raye stand kurz vor dem Durchbruch mit „Where is My Husband?!“, doch ihr ambitioniertes Album „This Music May Contain Hope“ erwies sich als zu komplex und dicht, um den erwarteten Erfolg zu erzielen. Auch Bruno Mars’ versuchter Rückgriff auf bewährte Formeln mit „The Romantic“ scheiterte und das Album verlor schnell an Popularität.

Neue Musik im Anflug: Hoffnung auf bessere Zeiten

Trotz aller Turbulenzen war das Chaos-Saison (Chaos SZN) reich an starken Alben, die unsere Zeit mit Wut und Absurdität reflektieren. Und die Hoffnung stirbt zuletzt: In den kommenden Wochen dürfen wir uns auf neue Veröffentlichungen von Jack White, den Rolling Stones, Gracie Abrams und The Strokes freuen, gefolgt von Phoebe Bridgers, Mike D und weiteren Künstlern. Vielleicht gibt es doch noch eine Chance für uns.

Tori Amos: Eine einzigartige Stimme

Tori Amos, eine Künstlerin, die man leicht für selbstverständlich halten könnte, bleibt nach über dreiunddreißig Jahren eine kraftvolle und provokante Kraft. Ihr achtzehntes Album, „In Times of Dragons“, ist eine weitläufige Allegorie, die die aktuellen Angriffe auf unsere Freiheit thematisiert. Amos entwirft eine Welt, in der sie einen „Lizard Demon“-Milliardär geheiratet hat, der die Demokratie zerstören will. Sie flieht aus seinen Fängen und trifft auf verschiedene Vertreter des Widerstands, darunter ihre entfremdete Tochter, die ihr den Weg zur erleuchteten Aktivismus weist. Ein Album voller Symbolik, das mit einer „Ode to Minnesota“ in letzter Minute gewürdigt wird.

Angine de Poitrine: Ein glorreiches Spektakel

Wie soll man dieses außergewöhnliche Phänomen beschreiben? Angine de Poitrine, ein Duo aus einer Kleinstadt in Quebec, präsentiert eine überwältigende musikalische Vielfalt. Der Name bedeutet auf Französisch „Angina pectoris“, die Brustschmerzen, die einem Herzinfarkt vorausgehen können. Die Bandmitglieder, Klek de Poitrine (Schlagzeug) und Khn de Poitrine (Gitarre und Bass mit ungewöhnlich vielen Bünden), tragen durchgehend lange, punkige Nasenmasken. Die Musik ist eine faszinierende Mischung aus Frank Zappa, orientalischen Klängen und virtuosem Funk – eine Kombination, die zunächst abschreckend wirken mag, sich aber als unglaublich unterhaltsam erweist, wie ein viraler Live-Mitschnitt von KEXP in Seattle bewiesen hat.

Gorillaz: Spirituelle Trauer

Das neueste Werk von Damon Albarn und Jamie Hewlett, Gorillaz, wurde von zwei Ereignissen inspiriert: einer Reise nach Indien und dem Tod beider Väter innerhalb von zwei Wochen. Diese Themen ziehen sich wie ein roter Faden durch „The Mountain“, mit zahlreichen indischen Künstlern und einem Unterton von Sitar und Tambura, der eine spirituelle Trauer erzeugt. Wie bei jedem Gorillaz-Projekt gibt es eine Vielzahl von Gastmusikern (Johnny Marr, Idles, Black Thought von The Roots), aber auch posthum aufgenommene Beiträge von verstorbenen Figuren wie Dennis Hopper, Bobby Womack und Proof von Eminem’s D12 Crew. Das Album ist zwar stellenweise ziellos und sogar nervig, aber seine Ambitionen sind beeindruckend.

Johnny Blue Skies: Ein Protest durch Hedonismus

Sturgill Simpson scheint keinerlei Rücksicht auf Konventionen zu nehmen – außer, dass er sie genau deshalb ignoriert. Auf seinem zweiten Album unter dem Pseudonym Johnny Blue Skies, „Mutiny After Midnight“, taucht Simpson in sleazy Country-Funk ein. Es ist kein gewöhnlicher Boot-Scootin'-Boogie, sondern ein verzerrter Soundtrack zu einem Manifest, das Sex, Leidenschaft und Empathie als Mittel gegen die gegenwärtige Tyrannei in Amerika fordert. Simpson nennt es einen „Protest gegen Unterdrückung und Verdrängung“ und setzt auf „reines, ungefiltertes, unerschütterliches, unerbittliches Disco-Hedonismus“. Von heiseren Ausrufen über die Frage, „Wie zur Hölle sind diese Typen nicht schon wegen Hochverrats im Gefängnis?“ bis hin zu gefühlvollen Liebesliedern an seine Frau – Simpson zeigt auf „Mutiny“, dass Funkadelic es richtig wusste: Befreie deinen Geist und deinen Hintern wird folgen.

Paul McCartney: Ein Vermächtnis des Alters

Es ist schlichtweg unglaublich, dass Paul McCartney (und die Stones, Dylan, Ringo und so viele andere aus der Greatest Generation des Rock) nicht nur noch aktiv sind, sondern auch weiterhin interessante neue Musik produzieren. McCartneys zunehmend brüchige Stimme hat in letzter Zeit heftige Reaktionen hervorgerufen, von Entsetzen über seinen SNL-Auftritt bis hin zu übertriebenem Lob für sein neues Album, das mutig seine Einschränkungen akzeptiert. „The Boys of Dungeon Lane“ ist zwar kein Meisterwerk im Vergleich zu seinen größten Erfolgen, aber Produzent Andrew Watt hat es geschafft, eine ergreifende und ehrliche Darstellung seiner achtzigjährigen Stimme zu schaffen, zusammen mit einer abwechslungsreichen Gestaltung und nachdenklichen Reflexionen über das Altern und die Nostalgie, einschließlich eines ergreifenden Abschlusses („Salesman Saint“ und „Momma Gets By“), der seine Eltern und die stille Würde älterer Frauen ehrt, ein wiederkehrendes Thema in McCartneys Werk, das bis zu „Eleanor Rigby“ zurückreicht.

Megan Moroney: Die Zukunft des Country

Mit Auszeichnungen als New Female Artist of the Year bei den ACM Awards und New Artist of the Year bei den CMA Awards ist Megan Moroney einer der schnellsten aufsteigenden Stars in der Country-Musik. Noch beeindruckender ist jedoch die Intensität ihrer Live-Fangemeinde, deren Shows von jungen Mädchen besucht werden, die sich mit ihrer Schlagfertigkeit und ihrem Herzschmerz identifizieren – auf dem Niveau von Swifties. Auf ihrem dritten Album liefert Moroney mit Humor und Ehrlichkeit und mit Unterstützung von Ed Sheeran und Kenny Chesney einen Beitrag, der das Genre in die richtige Richtung lenkt.

Kacey Musgraves: Eine Rückkehr zu den Wurzeln

Nachdem sie sich als eine der besten Songwriterinnen ihrer Generation etabliert hatte, hatte Kacey Musgraves auf ihren letzten beiden Alben, dem skurrilen aber faszinierenden „Star-Crossed“ und dem zugänglichen aber weniger überzeugenden „Deeper Well“, bewusst Abstand von ihren Meisterleistungen in der traditionellen Nashville-Songwriting-Tradition genommen. Doch auf ihrem siebten Album kehrt Musgraves zu den akustischen, singer-songwriter-basierten Wurzeln zurück, mit besonderem Fokus auf Musik aus ihrer Heimat Texas, von einer urkomischen echten Versöhnung mit Miranda Lambert („Horses and Divorces“) bis hin zum unvermeidlichen Willie Nelson-Duett und belebenden Akzenten von Tex-Mex-Norteño-Hörnern.

Genesis Owusu: Ein globales Statement

Es überrascht kaum, dass ein Rapper, der in Ghana geboren und in Australien aufgewachsen ist, Musik macht, die aus vielen verschiedenen Quellen schöpft. Owusus ersten beiden Alben, beide mit dem Album des Jahres bei den ARIA Music Awards ausgezeichnet, vermischten scharfen Indie-Hip-Hop mit Lo-Fi-Alt-Rock und Neo-Soul-Melodien. Sein drittes Album erweitert seine musikalische Palette, verstärkt die Dance- und Punk-Elemente und nimmt noch größere Anlaufschritte gegen den erschreckenden Zustand der Welt. Auf dem tobenden Opener „Pirate Radio“ greift er Elon, Trump, Twitter-Trolle und „Kanye-Fans“ an. Owusu, der einen Journalismus-Abschluss hat, zeigt jedoch eine beeindruckende Nuance und Raffinesse in seiner Politik, insbesondere in der vernichtenden Litanei des Bösen, die auf „The Worldwide Scourge“ dokumentiert wird. Dennoch weiß er, dass „Life Keeps Going“ – mit billigen Synthesizern, die hinter einem eingängigen Hook brodeln.

Olivia Rodrigo: Die neue Generation

Olivia Rodrigo setzt die Standards für die heutigen Popstars – und das ohne Konkurrenz. Fünf Jahre sind vergangen, seit Rodrigo „drivers license“ veröffentlichte (vielleicht der beste Song des 21. Jahrhunderts), und seitdem hat sie keinen Fehltritt gemacht. Nachdem sie in den letzten Jahren ihre Indie-Rock-Vorlieben in den Vordergrund gestellt hatte, konzentriert sich „pretty sad“ auf einen reiferen New-Wave-Sound. The Cure ist ihre stilistische Referenz; mehrere Tracks enthalten endearingly kitschige Keyboards im Stil der 80er Jahre, Robert Smith gastiert auf „What’s Wrong With Me“.wahnsinn, ein Song trägt sogar den Titel „The Cure“!

Harry Styles: Ein experimentelles Album

Der Titel „Kiss All the Time. Disco, Occasionally“ entpuppte sich als sowohl irreführend als auch überraschend zutreffend. Einerseits lässt sich das vierte Album von Harry Styles am besten als Dance-Record beschreiben; andererseits ist die Atmosphäre eher von düsteren, nächtlichen Grooves als von glitzernden Club-Bangern geprägt. Es war ein gewagter experimenteller Schritt von einem der führenden Popstars unserer Zeit, und nicht alles davon funktioniert. Drummer Tom Skinner (aus Thom Yorke’s Band The Smile) ist der überraschende MVP und liefert eine heftige Live-Percussion, die Tracks wie das unbestreitbare „Dance No More“ antreibt. KATT.DO verwirrte Harrymaniacs; die Verkaufszahlen starteten zwar stark, fielen aber innerhalb weniger Monate aus den Top 40.